ARTISTAS DOCENTES: ¿QUÉ INVESTIGAN LOS QUE ENSEÑAN?

 

Esta exposición, que se celebra al mismo tiempo que el II Encuentro Internacional de la Red Visible, presenta investigaciones de educadores vinculados de algún modo a la Red e interesados en las conexiones entre arte, educación e investigación. El objetivo de la exposición es conocer la producción visual de estos docentes. Para tal fin, invitamos a artistas/profesores a mostrar sus trabajos, incluyendo investigaciones vinculadas a sus grupos de investigación. En este sentido, las obras que componen la exposición son de investigadores que frecuentan el Estudio de Pintura Apotheke de la UDESC, coordinado por la artista/profesora Jociele Lampert, y de artistas/profesores Danilo Villa (UEL), Claudio Garcia (UEL), João Paulo Queiroz (Faculdade Belas Artes de Lisboa), Juliano Siqueira (UEL), Rita Demarchi (IFSP) y Umbelina Barreto (UFRGS).

 

Lo que nos guió a reunir estas producciones fue el deseo de destacar la investigación artística de estos profesores, así que tenemos diversas producciones en el espacio expositivo, porque la investigación y sus modos de constitución son diversos; sin priorizar un tema, un asunto, sino simplemente destacando donde el interés investigativo de cada uno se cierne y se despliega en forma de arte. Así es como el Estudio de Pintura Apotheke ha diversificado sus producciones a partir de una obra titulada VORKUS. La heterogeneidad caracteriza la producción de Apotheke, que parte de propuestas pedagógicas y artísticas orientadas a la creación de formas visuales a través de ejercicios y procedimientos.

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La coordinadora Jociele Lampert describe esta investigación, que abarca el Monotipo, el Antotipo, la Encáustica, el Cianotipo, la Acuarela, el Collage, entre otros que comprenden el estudio de la Pintura y el Dibujo, la interacción del color o el estudio de la forma: «Como profesora de grado y postgrado en una universidad pública de Brasil, me he preguntado: ¿cómo podemos desarrollar un estudio práctico y teórico en la enseñanza/aprendizaje de las Artes Visuales? ¿Y cómo abordarlo en la formación inicial de profesores de Artes Visuales? Mis reflexiones se centran en el lugar del artista-investigador-profesor.» (LAMPERT, 2017)

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Claudio García lleva al límite su investigación sobre el color; sus cuadros se construyen con el tiempo a través de capas depositadas a lo largo de los años y permanecen ahí a la espera de que el propio tiempo se asiente. El artista, refiriéndose al paisaje y al color azul, habla de esta dimensión temporal, arcaica, que tanto le llama la atención: «Este azul me tira hacia una representación de algo más antiguo (...) Me gustan las cosas remotas. Las cosas arquetípicas me parecen azules. Este azul viene de Egipto. Aunque este azul es sintético, me recuerda a lo arcaico» (GARCIA, 2017). Claudio, a través de sus obras expuestas, nos habla de un tiempo, como si ese tiempo del que nos habla tuviera una duración casi infinita. Una obra en proceso... capas de tiempo y color que poco a poco van desvelando sus matices como un palimpsesto.

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La enorme fotografía de Danillo Villa, trazada y pegada directamente en la pared, nos hace reflexionar sobre el paisaje, el arte, la naturaleza, la arquitectura y la cultura. La imagen se capturó lanzando a la naturaleza una obra titulada «Eu Te Darei O Céu Meu Bem». Con cada lanzamiento, el objeto era fotografiado mientras se movía, creando una serie de imágenes, otras reconfiguraciones en forma de arte. Con la fuerza del gesto de lanzar hacia el cielo una «obra que estaba lista», el artista crea otras posibilidades de ver y experimentar. Ahora, al ampliar la imagen que captó al lanzar su obra al cielo, introduce en el espacio expositivo un diálogo entre arte y naturaleza, en forma de imagen. Al lanzar, capturar y ampliar, Danillo vincula arte/naturaleza/arquitectura en un movimiento dinámico y complejo que nunca deja de cambiar, como el arte y la vida misma.

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João Paulo Queiroz nos presenta una serie de fotografías digitales, imágenes de cuadros y paisajes fotografiados en yuxtaposición; cuadros de paisajes fotografiados en el paisaje.
En una secuencia cadenciosa, podemos reflexionar gradualmente sobre lo que son el arte, la naturaleza, la referencia y el referente. Sistemáticamente, el artista se desplaza al mismo lugar de Portugal y se sitúa, como un pintor chino, frente a la naturaleza para pintar ese mismo lugar a lo largo de varios días. Las fotografías digitales son registros que pretenden captar el paso del tiempo, el transcurrir de las horas en su proceso creativo. Atento a los cambios, a los pequeños y sutiles acontecimientos y transformaciones que ocurren en el paisaje, João Paulo Queiroz presencia y documenta su propia vida a través de un intento de registrar el tiempo, estableciendo así un diálogo entre mutación y permanencia.

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Juliano Siqueira presenta piezas de una serie de construcciones de madera desarrolladas en el proyecto Albers. El objetivo del proyecto era integrar la experimentación del color estudiada en el Estudio de Pintura Apotheke/UDESC en la investigación tridimensional. Basándose en los ejercicios de interacción cromática de Josef Albers, el estudio experimental de la visión se asoció con la imaginación y la fantasía poética.

Teniendo en cuenta la interdependencia del color y la forma, el reto consistía en incorporar orgánicamente estos estudios cromáticos a la investigación escultórica mediante el uso de cera de abeja y pigmentos sobre madera.

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Umbelina Barreto, artista y profesora del Instituto de Artes de la UFRGS, presenta el tríptico Náusea, de la serie Narrativas Cruzadas, compuesta por dibujos de gran formato. La exposición Utopía y Náusea tuvo lugar en un momento en que las utopías de un Brasil mejor se desmoronaban. Sin embargo, la artista inicia la serie con una afirmación de la utopía, en narraciones en las que «se conectan elementos brasileños, portugueses y mozambiqueños, jugando con el barroco y las posibilidades de expansión del imaginario brasileño». Y a lo largo del desarrollo de las obras, el cambio de la realidad brasileña se manifiesta y se instala en la forma y en el pensamiento, generando una náusea que proviene de la incredulidad de estar frente al absurdo, frente a lo inimaginable» (BARRETO, 2019). El artista, sin pretender un resultado que sea más que una gran «historia para los ojos», cuestiona los valores culturales que nos constituyen hoy. 

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Rita Demarchi (IFSP), partiendo de la pregunta: «¿Cómo se ve al que ve?», presenta un recorrido de investigación a través de la fotografía de espacios expositivos. A partir de su tesis doctoral, Rita nos trae una serie de ensayos fotográficos en los que capta a los visitantes de exposiciones en momentos de contacto con el arte. Convierte su búsqueda/camino/investigación en un peregrinaje como visitante de exposiciones. Está atenta a estos acontecimientos, a los momentos en los que percibe diferentes formas de contacto y acercamiento al arte. Para Rita, «ver» es un acto despojado y complejo al mismo tiempo: «En medio de la ambivalencia, me dedico a “ver al que ve”, especialmente en los “templos” que me son tan queridos. Verlos, intentar comprenderlos en su existencia y sus circunstancias, sin tocarlos, sin hablarles; y captar una imagen suya» (DEMARCHI, 2014).

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El trabajo de los artistas y la investigación artística en las universidades pueden insuflar nueva vida a un espacio cada vez más dominado por la ciencia, la tecnología y el productivismo. El arte puede crear otras instancias de interfaz con la sociedad y mostrar que la universidad también es un lugar de acción, poderoso en la invención de otras dinámicas. Reunir a estos artistas/educadores es para la Rede Visível una forma de caracterizar la universidad como espacio de creación artística y de resistencia.

 

 

Ronaldo Alexandre de Oliveira
Juliano Siqueira